In tutto il mondo le persone lottano per far sentire la propria voce.  Mentre il pubblico entra, Maia è a terra, al centro del palco, già immersa in una lotta interiore. I movimenti isolati del suo petto imitano il gesto di chi lotta per respirare. Le ombre sul muro la circondano, personificando le voci degli altri nella sua mente, la zittiscono. Gridare per essere ascoltati è controproducente. Il beneficio sta nello scegliere quando parlare e quando tacere. Tuttavia, non tutti hanno il lusso di questa scelta. Molto spesso l’altro personifica i diversi fattori culturali, politici, razziali e genetici che mettono a tacere la voce di alcuni, mentre permettono ad altri di parlare a voce alta. Sono spesso quelli che cercano con più forza di entrare nel dibattito che vengono silenziati di più. Questo disequilibrio di potere, oltre alle esperienze personali, ha ispirato questa pièce. Nel suo assolo, Maia Joseph cerca di superare le ripercussioni dell’’interiorizzazione della voce, mentre lotta per ascoltare la propria. Lei è il suo stesso altro da battere. Sul palco gioca con gli sguardi, intercetta l’energia del pubblico perché questo la aiuta a entrare in contatto con loro. Così facendo, permette a se stessa e al pubblico di essere vulnerabili, aggiunge un senso di umanità e genuinità alla performance e affronta un tema senza tempo e luogo, riscoprendo la forza che trascende l’abilità verbale.

Un ingresso deciso dei performer viene annunciato al grido: “Congo kaka boye” (Il Congo è così). Si apre con esplosività l’opera coreografica di Gervais Tomadiatunga, che trasforma ferite e traumi della sua infanzia in creatività, resilienza e speranza. Attingendo alla sua esperienza di ex bambino soldato e minatore di coltan, Gervais dà vita a personaggi che incarnano le lotte e le vittorie della gioventù congolese di fronte a sfide socio-economiche e ambientali. Sul palco, i performer rappresentano una generazione che cerca la propria strada tra alcol, religione, sesso, smarrimenti e disillusioni. Portano con sé una rabbia di vivere, un bisogno vitale di creare. La musica coinvolgente li accompagna in questa incessante ricerca, unendo i loro corpi in una lotta collettiva. Le individualità persistono, ma i corpi coesistono con un’emozione e una vibrazione condivisa. La danza li unisce, li trasforma in un corpo collettivo, coraggioso, fiero, instancabile, che porta in sé gioie e dolori della vita quotidiana. Lo spettacolo affronta temi urgenti come blackout elettrici, scarsità d’acqua e inquinamento, mettendo al centro il ruolo fondamentale delle donne nella società congolese. Con quattro danzatori in scena e scenografie realizzate con materiali di recupero, questa creazione è al tempo stesso un grido di giustizia sociale e un’esaltazione della libertà attraverso il movimento.

Una riflessione sulla condizione contemporanea, dove l’auto è sia simbolo di libertà che di costrizione. Da un lato, un rifugio mobile, un luogo dove il sonno può essere vissuto come una fuga dalla casa e dalla confusione della vita quotidiana, un modo per riscoprire la solitudine o la compagnia del viaggio. Dall’altro, però, c’è la realtà di chi non ha più una casa o non ne ha mai avuta, costretto a vivere e dormire nell’auto come unica alternativa, una condizione che riguarda sempre più persone in situazioni di povertà o in crisi economiche. Inoltre, c’è l’aspetto del sonno come funzione lavorativa, come nel caso degli autisti che sfruttano ogni minuto di riposo durante le loro lunghe ore di lavoro, senza la possibilità di tornare a casa. Il sonno in macchina diventa immagine di una società in cui l’auto non è solo un mezzo di trasporto, ma si sostituisce alla casa e agli spazi pubblici che un tempo offrivano rifugio. Ma oltre a questa dimensione sociale ed economica, c’è anche la provocazione filosofica: il sonno come momento di resistenza alla frenesia della vita, un modo per rivendicare uno spazio intimo e silenzioso, dove ci si può “fermare” nel caos del continuo movimento. “Sleep in the car” rappresenta il ritorno a una forma di esistenza più primitiva, dove l’autosufficienza e la solitudine diventano momenti di elevazione intellettuale e spirituale ed è proprio in questo spazio limitato, nel buio della macchina, che il sonno ci rende unici e indipendenti, e allo stesso tempo, ci costringe a confrontarci con la nostra vulnerabilità più profonda.

Due individui cercano un modo per liberarsi dalle catene sociali. La lotta è innanzitutto interiore: per emanciparsi dagli stereotipi di potere e sottomissione è necessario un viaggio troppo spesso ostacolato dal terrore di scoprire ciò che è nascosto dentro. All’esterno, il personaggio che hanno costruito per proteggersi dalla società è lo stesso che vorrebbero annientare. Figlio delle fragilità sociali e delle frustrazioni che portiamo con noi nel tempo, il nostro essere più nascosto si nasconde e poi all’improvviso, come una bufera che sconvolge e scardina, reclama il suo spazio. la maschera perde di concretezza, trema e crolla senza opporsi. Il naufrago che si è appena riconosciuto, finalmente umano e privo di meta, si scopre alla deriva. Inizia un’esplorazione spontanea e non pianificata di un ambiente urbano per coglierne l’influenza sugli stati d’animo e sui comportamenti, aumenta il distacco dal percorso prestabilito, si perde tra i riferimenti e solo così, paradossalmente, si riesce a intravedere un nuovo orizzonte, molto più simile a ciò che si è veramente. La paura svanisce, la responsabilità rimane.

Immobili, di fronte a un pubblico di sconosciuti, cinque donne si asciugano le guance bagnate dalle lacrime. Quale dolore portano? Appartiene a loro? Con Bouffées, Leïla Ka immagina come curare l’incurabile e accoglie il lutto per trasformarlo in un mezzo di potere e rinascita. Mette in scena la sorellanza nella sua forma più riconoscibile, rendendo un omaggio giusto e profondo alle battaglie già combattute e a quelle che restano da combattere. Abiti lunghi, colorati e floreali, capelli corti tirati in una coda caratterizzano un’opera artisticamente e simbolicamente brillante, la cui presenza e pregnanza artistica derivano dall’esperienza di vita della coreografa in lotta con i ruoli imposti e, dalla sua capacità di rimettere i grandi temi al cuore di coloro che, in qualche modo, anelano alla libertà. Non solo struggimento ma anche resistenza delle cinque performer, continue cadute, la fatica nel rialzarsi, l’ansima che ritma e che unisce nella sofferenza. Tutto sta nel contrasto tra la costrizione imposta e il movimento volontario delle cinque performer.

Sul palco sono in due, ma potrebbero essercene cento o mille. Insieme, partono traballanti, malate, a volte felici, e si lanciano forse per il meglio, ma probabilmente per il peggio. Contro di loro, un’avversità che possiamo solo intuire ma di cui non sappiamo nulla. Nell’attesa di scoprire di più si cuoce lo spettatore. Eroine, ora invincibili, ora tragicamente vulnerabili, avanzano, resistono, a volte crollano, ma combattono instancabilmente fino a quando la loro forza non si esaurisce. In una traiettoria sinuosa fatta di momenti di vittoria e di debolezza, la speranza e la disillusione si mescolano in ugual misura.

C’est toi qu’on adore è un grido di speranza in cui il corpo esulta per ciò che ha di più caro, la spinta vitale che ci tiene in piedi e se ne frega di tutto il resto. Dove la meta non conta più niente, l’arrivo è solo il miraggio di quando si è partiti. Anche questa coreografia cela al suo interno un fuoco nascosto, qualcosa di più importante e profondo dei minuti conclusivi, qualcosa per cui vale la pena sollevarsi e insistere.

Siamo fatti di terra, acqua, aria, fuoco e spazio. Cinque elementi che, combinandosi e danzando, creano un corpo che respira, pensa, sogna, ama, nasce, muore. Il tema centrale di questa creazione è la visione della Terra attraverso gli occhi dello stupore. L’ispirazione nasce dall’osservazione del nostro satellite: quando vediamo la luce cinerea della Luna, sappiamo che quella zona è illuminata dalla luce solare riflessa dalla Terra. Se ci trovassimo sulla Luna, quel riflesso sarebbe un chiaro di Terra, proprio come dalla Terra osserviamo il chiaro di Luna quando la luce lunare si riflette sul nostro pianeta. La Luna, pur essendo una semplice roccia grigia, ha ispirato artisti di ogni epoca, spingendoli a creare scritti, musica, pittura e danza. Immaginare di essere abitanti della Luna e di osservare la Terra – così colorata, vibrante, ricca – riflette quanta arte, poesia, musica e danza possano scaturire dalla meraviglia per il nostro pianeta. Chiaro di Terra è un trittico, il primo dei quali su musica inedita, composta appositamente per la coreografia. I canoni tradizionali vengono così sfidati: non è la musica a ispirare la danza o a essere scelta in base alle esigenze coreografiche, ma è la coreografia stessa a ispirare la musica, che nasce seguendo i movimenti, le dinamiche delle danzatrici e il racconto coreografico dei cinque elementi.

Come possiamo muoverci nella stessa direzione parlando due lingue diverse? in questa pièce, due stili di danza si incontrano nella medesima rappresentazione come atto di resilienza, esplorazione collettiva della nostra autenticità, delle nostre ispirazioni e della fiducia negli altri e nelle nostre capacità. La diversità che non respinge ma ibrida. Ibridazione, è questa la parola chiave che sfida Marion Alzieu e costituisce la sua principale fonte d’ispirazione. Attraverso un linguaggio corporeo multidimensionale – fisico, energico, raffinato e singolare – la coreografa ricerca equilibrio tra tensioni ed elementi contrastanti: consistenze, colori, morbidezze e forze, dinamiche in tensione. Utilizza il Krump come strumento di riflessione sull’autenticità e sul legame comunitario. Raggiunge una chiarezza estetica che si nutre della fusione tra differenze. Blue jeans baggy con fantasie floreali, magliette nere aderenti, corpi di interpreti diametralmente opposti eppure sintonizzati, un duo centrifugo ma solido, compatto, che si nutre di sé stesso all’infinito. Hold fast è la rappresentazione di un motore sociale in funzione.

Una performance che racconta il viaggio profondo e trasformativo che ha coinvolto le partecipanti mettendo il loro corpo al centro di un’esperienza unica. Quando un gruppo di donne di Barriera di Milano decide di esplorare il movimento come strumento di liberazione, espressione e connessione, prende vita un dialogo continuo e intimo con loro stesse. Attraverso esercizi condivisi e indicazioni mirate, ogni movimento apre la porta a nuove battute e sensazioni nascoste, rivelando la potenza di un corpo che parla più delle parole. Un’atmosfera vibrante e inclusiva, dove ogni differenza viene celebrata, e ogni pausa e respiro contribuiscono a costruire un linguaggio corporeo di significati profondi, va ben oltre la tecnica pur di toccare il cuore dell’esperienza umana. Il percorso, culminato in una riflessione finale che rafforza il senso di comunità e supporto reciproco, accresce la consapevolezza del corpo come fonte di forza. La restituzione finale del laboratorio della Tansini è potente dimostrazione di crescita personale e collettiva, un momento in cui il laboratorio restituisce voce e corpo come atto di attivismo contro la violenza sulle donne. Fatti Viva non è solo un’occasione di crescita, ma un grido di libertà e speranza per ogni donna che trova il coraggio di denunciare.