Due corpi indagano il significato del ricordo in uno spazio intimo e vulnerabile e percorrono ricordi e luoghi vissuti provando a non restare intrappolati nel passato. Il principio di memento li guida a riconoscere nella fugacità della vita il legame profondo tra memoria e presente. La narrazione non lineare invita lo spettatore a confrontarsi con la delicatezza e l’impermanenza del ricordo, i corpi si fanno sintomo di una lotta interiore tra ciò che resta e ciò che svanisce. La natura fa da sfondo ai corpi sospesi nel tempo, che urlano di paura atavica e ripetono tutti i movimenti per poi scoprire che questi non restano, tracce effimere di un passaggio. Questa pièce costruita intorno alla sperimentazione continua del lavoro di coppia, esplora coreograficamente le connessioni tra due danzatori, sia sul piano di ascolto reciproco, sia sul piano di contatto fisico costante. Un progetto che vede protagonista atleticità e fisicità del corpo in relazione all’emotività, tratto distintivo del duo.

Fiori assenti si ispira all’omonimo ciclo di opere degli anni Novanta dello scenografo e artista Albano Morandi, dedicato al concetto di emersione e latenza dell’immagine. Il tema della presenza/assenza (il negativo) diventa l’elemento ricorrente della performance. Un’opera fisica, creata appositamente da Morandi, connota lo spazio performativo e diventa co-protagonista dell’azione. In questo caso, Morandi supera il concetto di “sovrastruttura”, si libera delle forme canoniche a favore di figure sottili e allungate capaci di ritagliare spazi nell’ambiente in cui si trovano. Allo stesso modo, i movimenti dei performer cercano espressione attraverso l’indagine delle forme, rielaborate in un continuum coreografico che costruisce e sottrae, elabora e decostruisce, modifica e adatta di volta in volta il linguaggio. I corpi si prestano, come l’opera di Morandi, a diventare “forme scultoree” in una sorta di contro-danza che si snoda tra piccoli dettagli, gesti armoniosi nello spazio e momenti ritmici dissonanti. All’elemento visivo e coreografico si aggiunge anche la musica originale del noto compositore italo svedese Timoteo Carbone, riconosciuto a livello internazionale per il suo contributo a installazioni e performances comparse in musei e istituzioni tra cui Stedelijk Museum, Gaudeamus Muziekfestival, Boijmans Museum, Van Abbemuseum, Tempo Reale, Rewire Festival e Fabbrica Europa. Con Fiori Assenti, danza, musica e arte visiva si prestano congiuntamente per esplorare nuove stimolanti contaminazioni espressive.

Ispirata alla figura di Pierrot, la performance esplora il tema dell’amore impossibile con un tocco di malinconia e magia. Comincia un viaggio tra sogno e realtà che trascina il pubblico in un universo sospeso, dove il desiderio è solo un altro modo di chiamare la solitudine. In ogni scena, il personaggio dei fumetti mostra al pubblico paesaggi incantati di immaginazione e fantasia, sfuma i confini tra sogno e realtà e, solo per questo, prova e sopravvive al dolore. Basato sul metodo MEM di Roberta Maimone, la coreografia dà vita a movimenti fluidi e in continua trasformazione che arricchisce con un tocco di umorismo. A rendere l’esperienza ancora più intensa e coinvolgente, ci pensano i costumi di scena progettati dalla stessa coreografa per la performer Federica Lovato, la quale accompagna con l’espressività puntuale del suo volto. L’unione di questi elementi rafforza la sensazione dolceamara e nostalgica che caratterizzerebbe un cartone animato a tema amore impossibile. Pierrot non esita, non teme la delusione d’amore, accompagna il pubblico su montagne russe emotive, tira pugni al vuoto, si perde tra lunghi silenzi significativi, senza mai però dimenticarsi della sua natura di personaggio, del potere della narrazione, senza mai arrendersi alla realtà.

La performance nasce in pieno lockdown come riflessione sulla condizione umana ed il suo senso di onnipotenza congenito. Abitati dal dubbio come non mai, la recente pandemia COVID ha smosso e rotto molte certezze. I riti quotidiani disintegrati, la vana ricerca di una base dove poggiarsi, il divieto di contatto fisico hanno obbligato tutti a cambiare prospettiva. Spesso, in quel periodo, ci si è ritrovati a navigare in una sorta di spazio siderale, nel quale si sapeva di non poter riporre alcuna certezza, proprio come divinità decadute che non sanno più chi sono, che non si riconoscono più in nessun luogo e nessun credo. Con questa coreografia Perego espone l’uomo dio, irriconoscibile nel suo presente, ma concreto nella storia, fatto di energia viva seppur scaduta in un limbo non identificato. Un potente tamburo muto che risuona a tratti. Ad ogni pausa, l’interprete ricade nel silenzio più enigmatico di una nuova ricerca di sé stesso. Totemica è testimonianza fisica ed emotiva di un uomo che abita una sacralità dispersa e frammentata, priva di appigli. Mira ad essere un indagine in chiave coreografica del sacro e naturale, una mappa di spiritualità ancestrale interpretata come punto di partenza o ritorno dalle chimere umane.

Quattro danzatori confrontano le loro scelte in uno spazio coreografico vuoto, da riempire e liberare grazie alla loro consapevolezza e al potenziale delle loro decisioni. Un esperimento che si fa rappresentazione. Quattro parole chiave: Isolamento, Intimità, Comunicazione, Comunità guidano quattro corpi in un campo d’azione denso e definito al punto tale da lasciare spazio solo all’io e all’incontro con l’altro. Nato in seno ad un workshop come esercizio, Decisione Consapevole si fa mappa concettuale capace di tracciare gli elementi essenziali della coreografia. Tedesco produce uno schema che mette in risalto la consapevolezza artistica e la ricerca individuale dei ballerini, permette loro l’improvvisazione ma, definisce un abito comune, dei paletti che innescano una riflessione omogenea e danno vita ad una coreografia indefinibile ma strutturata, reinterpretabile e adattabile, resiliente nei confronti del tempo e dei cambiamenti, Tutt’altro che vago e istintivo.

Il lavoro del coreografo e dei danzatori si è concentrato sulla conoscenza reciproca, il livellamento della gerarchia, la diluizione del tempo, la scoperta di un linguaggio espressivo comune e coerente con lo stile di Tedesco, bravo ad aggiungere sempre qualcosa di nuovo al palcoscenico. Il suono amalgama il tutto in una forma che sbalordisce e interessa l’occhio dello spettatore, lo attira nelle sue vie di fuga e lo mette in relazione con il resto: ciò che di sé fatica a realizzare.

Se il tempo ci fosse amico, quante cose si potrebbero ottenere nella vita? Ma il tempo inganna. Il tempo scivola, manca, silenzia e fa paura. Crescere significa scoprire che il tempo ci è nemico, a malapena lo si insegue con il lavoro, gli si dà un senso e neanche quello basta. In Il faut que je, la coreografa ha voluto rompere codici e mescolare originalità, fisicità e musicalità per raccontare una storia, quella di un inseguimento, la storia di un’immagine ideale che rinuncia al proprio valore e alla propria ricchezza pur di sopravvivere al tempo. Il ritmo della vita è scandito dalla costante ossessione e ricerca della perfezione, con una traiettoria senza fine verso la “vittoria”, dove la soddisfazione è sempre negata dal tempo. Il tempo salva l’arte e uccide l’artista, lo comprime nel suo stesso corpo. Le musiche di Leon Afterbeat si inseriscono in questo contesto come fili di una marionetta, capaci di avviluppare polsi e caviglie dell’artista e farla danzare a comando. Un ticchettio costante, paurosi silenzi e riprese sorprendenti. In questo senso, le musiche si fanno metafora dell’orologio biologico di ogni individuo. La marcia, il tentativo, la vana speranza, l’inerzia, l’ostinata volontà danno forma a un solo concettuale ma diretto e impattante.

Un solo capace di risuonare anche nelle coscienze arrese alle necessità dettate dal tempo. L’opera coincide con la necessità dell’artista di esprimere e superare i suoi blocchi, sue paure e ossessioni personali, sperando che il pubblico possa rispecchiarsi e ritagliarsi un tempo e uno spazio per riflettere e trovare una via d’uscita all’inerzia del tempo.

Dopo il successo di Femina, spettacolo finalista Premio Ubu 2023 nella categoria “Miglior spettacolo di danza”, arriva in scena Viro, dedicato alla controparte maschile. Un personaggio in testa, due danzatori in scena. Uguali, specchi opposti che si confrontano. Due che sono: un po’ ragazzi troppo cresciuti e un po’, uomini che non sanno rinunciare all’eterna giovinezza. Liquidi, femminei, autocompiaciuti nella loro depressione, maschi. Maschi contemporanei? Di sicuro appartengono al genere dell’ostensione maschile senza soffio e spirito, inessenziale e vuota. Minimalismo, luci soffuse espongono il maschile in forma coreografica. Capelli grigi e panni ambigui lo vestono.

Stereotipi e luoghi comuni lo snudano agli occhi dello spettatore. L’uomo è Viro, creatura bifronte, spezzata e malinconica. Accompagna la coreografia Olaf Bender, aka Byetone, con “Death of a Typographer”. Sonorità techno, ritmi imperativi e radicali ma ancora “umani”, fluidi, vicini ai flussi del corpo e capaci di generare emozioni. Così gli Abbondanza/Bertoni fotografano il maschio moderno: ferito, centauro, accettato e riconosciuto solo quando si afferma nella sua intrinseca e splendida banalità.  Tra gli appuntamenti imperdibili della stagione 2025, Viro sicuramente è uno dei più importanti.